L'œil est d'abord attiré par deux jeunes femmes sur un bateau, d'une pâleur éclatante et nette sur un fond marécageux et tourbillonnant d'eau de rivière verte. Les lignes anguleuses de leur bateau les séparent des ténèbres de l'eau, au propre comme au figuré. Homme en bois naturel, aux tons terre mais lumineux sur le fond, l'esquif rose lui-même n'appartient ni aux jeunes filles qui le dirigent ni au fleuve sur lequel il flotte. Au lieu de cela, il agit comme un rempart entre un monde de subtilités bourgeoises et la nature sauvage et sauvage.

En juin 1890, Monet écrit dans une lettre : « J'ai repris des choses impossibles à faire : de l'eau avec de l'herbe qui ondule dans ses profondeurs... ». Il n'est pas surprenant que The Pink Skiff ait été peint la même année - il capture parfaitement le mouvement des frondes sous la surface de l'eau et la façon dont celles-ci sont réfractées par la lumière, créant un effet de coulure qui donne presque le mal de mer au spectateur.

Le sentiment de déséquilibre est renforcé par l'angle aigu auquel l'esquif rose coupe la toile, avec ses longues rames sur les hanches. Dans The Pink Skiff, une scène parfaitement ordinaire de la vie quotidienne dans le village de Giverny reçoit un sentiment de menace et de malaise en sourdine qui fait que le spectateur se demande ce qui se cache en dessous.

Monet était un collectionneur de gravures sur bois japonaises, connues sous le nom de "ukiyo-e" - de nombreuses gravures de sa collection sont encore accrochées aux murs de sa maison à Giverny. Un certain nombre de critiques ont remarqué l'influence des artistes japonais sur bois sur les œuvres ultérieures de Monet, et The Pink Skiff en est un exemple particulièrement intéressant.

Des parallèles immédiats peuvent être établis entre ce tableau et la pêche à l'ormeau d'Utagawa Kunisada (début des années 1830) - la palette de couleurs est similaire, tout comme la façon dont un bateau est incliné dans une scène de rivière et la façon dont l'eau ondule sur les mauvaises herbes. La sensation d'espace dans The Pink Skiff pourrait également rappeler au spectateur Full Blossom d'Utagawa Hiroshige à Arashiyama (vers 1834), qui regarde également un bateau sur une rivière, placé dans le coin du cadre.

Le Pink Skiff pourrait être considéré comme l'interprétation de Monet de la pastorale japonaise, filtrée à travers sa propre perspective française de la classe moyenne et animée par sa technique impressionniste soigneusement affinée qui utilise des coups de pinceau habiles et spontanés pour créer une sensation de mouvement et de vitalité. Van Gogh avait un intérêt similaire pour l'art japonais comme on le voit dans Branches d'amandiers en fleurs.

Le Pink Skiff était l'une des dernières peintures de Monet à présenter des figures humaines - à partir de ce moment, l'artiste était beaucoup plus intéressé à exprimer les émotions de la nature plutôt que les gens, peut-être parce qu'il présentait un plus grand défi que les techniques impressionnistes étaient parfaitement adaptées pour résoudre. Certes, dans The Pink Skiff, ce sont les eaux tourbillonnantes qui nous entraînent dans leurs profondeurs, nous invitant à plonger et à explorer tandis que les rameurs raides et pâles ne peuvent que regarder d'une distance prudente.