L'un des nombreux autoportraits qu'il a exécutés, ce portrait à l'huile sur toile a été peint alors qu'il vivait à Giverny, en France , où Monet a déménagé avec sa seconde épouse en 1883 ; il mesure 56 x 46 cm et est actuellement hébergé dans une collection privée.

Monet se représente portant un béret noir et un manteau gris sur une chemise blanche, sur un fond à dominante bleue. Son regard est légèrement décentré, ne rencontrant pas tout à fait l'œil du spectateur. Le côté gauche de son visage et de son front est mis en évidence et il y a un scintillement distinct dans ses yeux, malgré l'expression sérieuse représentée par un front légèrement plissé.

Des traits fervents de nombreuses couleurs représentent le tissu froissé du pardessus. Des coups de pinceau beaucoup plus petits sont utilisés pour représenter sa barbe texturée, que l'on peut presque imaginer tendre et toucher. Les autoportraits nous ont offert un aperçu de la personnalité de toutes sortes d'artistes célèbres au cours des siècles, notamment Vincent van Gogh, Michel- Ange, Léonard de Vinci, Rembrandt et Albrecht Durer.

Cette peinture est considérée comme un style d'art impressionniste, dans lequel les perceptions du sujet sont véhiculées par l'artiste, plutôt que la peinture étant une ressemblance spécifique et précise. Souvent décrites comme la «force motrice de l'impressionnisme», les peintures de Monet ont toujours été caractérisées par une appréciation exquise de la lumière et de la couleur. Il a soigneusement représenté où la lumière tombait sur le sujet, contrastant avec des ombres profondes. Cet effet particulier a été pensé pour être inspiré par la tradition japonaise d'utiliser des gravures sur bois.

Monet a peint de manière lâche et vigoureuse avec de courts coups de pinceau rapides pour créer un patchwork de couleurs vives, travaillant toute la toile à la fois. Chaque trait était effectivement un instantané de son impression visuelle à ce moment-là, le processus de peinture reflétant une improvisation continue du début à la fin. Une superposition soigneuse de couleurs a été administrée, parfois en utilisant du lavis (application d'une fine couche de peinture pour atténuer les effets d'une application précédente) avec une juxtaposition méticuleuse de couleurs chaudes et froides pour intensifier la sensation de distance.

On sait également que Monet souffrait de cataractes, il a donc été postulé que ses images douces et floues pourraient simplement être la façon dont il voyait le monde, plutôt que délibérément impressionnistes, mais son style est resté à peu près le même même après leur suppression.

Contrairement aux artistes précédents, Monet a privilégié l'utilisation de couleurs plus claires comme base pour ses peintures, plutôt que les apprêts plus sombres qui étaient le choix traditionnel de l'époque (on sait qu'il dépensait souvent de l'argent en peinture plutôt qu'en nourriture !). Il a utilisé de la peinture disponible dans le commerce, en sélectionnant des peintures plus foncées spécifiquement pour rendre les couleurs plus claires plus lumineuses.

Il aimait particulièrement expérimenter la couleur et était fasciné par la façon dont les choses se présentaient à différents moments de la journée avec la lumière changeante. Ses portraits représentaient non seulement des personnages, mais capturaient également magnifiquement l'atmosphère.