Der Künstler liebte es, mit verschiedenen Blickwinkeln seines neuen Gartens zu experimentieren, wobei er manchmal seine japanische Brücke einfing, und bei anderen Gelegenheiten konzentrierte er sich auf einen viel kleineren Bereich, wie das hier gefundene Gemälde. Sein Seerosenteich würde das ganze Jahr über anders aussehen, wenn die Blumen wuchsen, blühten und dann verwelkten. Sie schwebten auch langsam um den Teich herum und kreierten stündlich neue Looks. Licht würde auch aus verschiedenen Winkeln in den Garten einfallen, da die imposanten Bäume das Licht von bestimmten Positionen aus blockieren würden. Die Lilienblüten selbst waren manchmal ganz rosa, wie in diesem Beispiel, aber manchmal sahen sie heller oder dunkler aus. Monet arbeitete auch ausdrucksstark, plante Gemälde bis zu einem gewissen Grad, ließ aber auch Raum, um auf seine eigenen Emotionen zu zeichnen, da er direkt auf der Leinwand arbeitete.
Monet durchlief in seinem Garten mehrere Arbeitsphasen und produzierte oft Serien ähnlicher Werke mit nur wenigen Änderungen zwischen den einzelnen. Zu diesem Zeitpunkt arbeitete er an Nahaufnahmen seiner Lilien und versuchte, ihre Schönheit auf die Leinwand zu übertragen. Farbe war hier der Schlüssel, und in diesem Fall wählt er Rosatöne für diese atemberaubenden Blumen, die gut zu den dunkleren Lilatönen passen, die den größten Teil dieses Kunstwerks dominieren. Die Grüns bieten dann so etwas wie einen Mittelweg. Wir sehen in diesem Beispiel etwa 15 Seerosen, und da sie sich langsam im Laufe der Zeit bewegen, ist es, als hätte er seinen Garten in der Zeit eingefroren, nur für eine kurze Bewegung. Möglicherweise hat er eine schnelle Zeichnung gemacht, um ihre Positionen festzuhalten, oder vielleicht sogar ganz aus seinem eigenen Kopf heraus gearbeitet.
Dieses Stück ist auf etwa 1897-1899 datiert und dies war eine wichtige Zeit für Monet, als sich sein Garten vollständig etabliert hatte und er nun in der Lage war, in einer Umgebung zu arbeiten, die sich völlig natürlich anfühlte und verschleierte, wie er jedes einzelne Objekt sorgfältig entworfen hatte darin selbst. Er nutzte diese Zeit daher für umfangreiche Arbeiten und schuf viele Serien von Gemälden aus verschiedenen Blickwinkeln rund um den Garten. Er entwickelte auch die Vorstellung davon, was es bedeutet, als impressionistischer Künstler zu gelten, indem er seine Ideen in neue Richtungen führte und ständig mit Licht und Farbe experimentierte. Insgesamt wählte er für diese Projekte eine atemberaubende Palette von Rosa-, Violett-, Blau-, Grün- und Weißtönen als seine am häufigsten gewählten Töne.
